Nationalité : américaine

Naissance : 07 avril 1939 à Detroit (Michigan)

Métiers : Réalisateur, Producteur de cinéma, Scénariste de cinéma

Francis Ford Coppola représente à lui seul le déclin et la renaissance d’Hollywood, il est son portrait incarné, son cinéaste prisme qui par sa carrière et son ambition a réussi ou tenté de faire du cinéma américain une cathédrale promise à l’éternité.

Enfant prodige de la Nouvelle Vague américaine née dans les années soixante à UCLA, cette génération où se côtoient ses proches ou amis tous devenus célèbres (George Lucas, Steven Spielberg, Martin Scorsese, John Milius ou Brian De Palma), Coppola fait partie de ces cinéastes cinéphiles qui comme Godard ou Truffaut en France ont toujours pensé leur travail en rapport avec l’histoire du cinéma. Problématiques du temps et des formes, qui chez lui prennent une ampleur démesurée tandis que la question de l’auteur n’a aussi eu de cesse d’être interrogée par ses hésitations envers le cinéma populaire et la création de son propre studio, American Zoetrope (souvent mis à mal).

Très tôt chez lui l’envie d’employer les moyens de la modernité pour y faire coexister le passé et les films qui l’ont précédé se font jour. Dès son second film, Big Boy (après avoir travaillé pour Corman pour qui il tourna Dementia 13), Coppola cite les films musicaux de Richard Lester. Dans La vallée du bonheur, tourné l’année suivante, il filme un Fred Astaire vieillissant qui malheureusement ne revitalise pas la comédie musicale dont il restera un grand nostalgique contrarié (voir l’échec du magnifique Coup de coeur).

Réinventer sans révolutionner

Sa carrière est ainsi faite de contradictions, de compromis et d’élans sentimentaux. Grand amoureux d’un âge d’or hollywoodien dont il sera le plus fort défenseur de sa génération, Coppola a constamment été tiraillé dans ses choix, partagé entre des projets personnels où il voulait tout contrôler et la nécessité de relancer sa carrière, parfois pour raison financière. Mais quel que soit le sujet ou les conditions, chaque film essaie de poser une question, un regard, sans jamais se contenter de la facilité. Du Parrain, sa grande fresque mafieuse commandée par la Paramount, en passant par l’espionnage dans Conversation secrète (véritable film d’époque en costume autour du Watergate), la guerre du Vietnam transformée en spectacle wagnérien et métaphysique dans Apocalypse Now ou l’épouvante en hommage au muet dans Dracula (alors que le cinéma découvre le numérique), ses films veulent tout réinventer sans pourtant promouvoir une profonde révolution des formes. En vérité, le cinéma de Coppola n’a cessé de chercher une réconciliation entre le passé et l’actuel. Une jeunesse éternelle se retrouvant comme sujet ou dans la mise en scène de la plupart de ses films et qui est aussi liée à sa fascination pour le cinéma des années 1950 ayant bercé son adolescence.

Complexe et limpide

Du sublime diptyque sur l’adolescence Outsiders/Rusty James où il revisite La fureur de vivre dans un technicolor romantique puis dans un noir et blanc expressionniste, au Parrain, Apocalypse Now, Peggy Sue s'est mariée, Tucker, Jack ou enfin L'Homme sans âge, la question du temps est centrale. Des films où les corps et les personnages sont toujours décalés dans leur époque, comment ils s’y situent, ou bien dans l’aspect esthétique même des œuvres qui cherchent à replier en un seul moment l’histoire du cinéma (de l’avant-garde européenne au classique américain en passant par le contemporain). Malgré leur apparente complexité, les films de Coppola témoignent d’une limpidité constante, ils ont une forme d’évidence et de naïveté singulière qui ressuscitent le classique sans prétendre au post-modernisme. Une sorte de Méliès d’aujourd’hui qui aurait aimé les frères Lumières. Voyages constants dans l’espace et le temps, ses films associent le grandiose à l’élégance et la rapidité, chaque oeuvre manifestant une rigueur formelle aussi visible que discrète ou lucide. Déçu du cinéma, Coppola a cessé de tourner pendant dix ans après L'Idéaliste (titre liminaire). Son retour avec L’homme sans âge, œuvre profondément décalée, ne fait qu’encore mieux prouver la valeur de ses films et leur volonté de se soustraire à leur époque pour se réfugier dans une bulle d’éternité qui pourtant éclaire notre modernité.

Saadane

Nationalité : américaine

Naissance : 26 juillet 1928 à New-York

Mort le : 06 mars 1999

Peu d'auteurs comme Stanley Kubrick, en si peu de films (12 longs métrages sur plus de quarante ans), auront réussi à imposer une œuvre aussi cohérente et variée, jusqu'au-boutiste et exclusive, unique et faisant l'objet d'un culte au-delà de la fascination. Peu d'hommes comme lui ont su avec autant d'énergie et d'obstination triompher de l'assujettissement des studios hollywoodiens (Coppola essaiera et s'y cassera les dents, Lucas retiendra sa leçon), maîtriser chaque parcelle de la production, dans ses moindres détails : de la préparation méticuleuse et hyper documentée précédant chaque tournage, au plateau où il avait acquis une quasi science encyclopédique, scientifique et technique de ses outils, à la distribution, par le choix des affiches, des copies à distribuer ou retirer, ou les acteurs à engager pour le doublage. L'œuvre de Kubrick était totale, monde, univers, cosmos. Celle d'un auteur du contrôle absolu, où chaque film, à travers les multiples genres abordés (thriller, comédie de mœurs, péplum, space opera, fantastique horrifique, guerre, politique-fiction, historique), est devenu la manifestation de cette volonté d'aboutissement créatif obsessionnel. Le cérémonial accompagnant la sortie de ses films, son intérêt pour les grands sujets où on l'attend comme la parole du philosophe athénien, le silence qu'il entretient sur ses œuvres, auront créé autour de lui un épais brouillard, un mystère, une mystique, excessive, délirante, mais qui n'enlèveront jamais la puissance de son cinéma.

Cinéaste misanthrope et pessimiste, il n'a cessé d'explorer l'inquiétante étrangeté de la nature humaine, les pièges de l'intelligence, les prisons mentales et réelles que l'homme s'invente dans une quête éperdue de sens, pouvoir, désir, conquête qui le ramèneront à lui-même, et le plus souvent sa défaite, sa déchéance, sa perte. Photographe doué à la sortie de l'adolescence, il travaillera quatre ans pour Look avant de tourner ses premiers films : Flying Padre (1951), un reportage sur un prêtre qui vole d'une paroisse à l'autre au Nouveau Mexique à bord d'un Piper Club ; Day of the Fight (Id), un court-métrage documentaire sur Walter Cartier, un boxeur, qu'il vend à la RKO ; et The Seafarers (1953), un documentaire en couleurs sur la marine marchande. La même année, grâce à un prêt, il tourne sa première fiction, Fear and Desire (1953). Un film de trente minutes où il relate l'épisode sanglant d'une guerre imaginaire. Un nouvel emprunt lui permet de mettre en chantier Le baiser du tueur (1954), bientôt suivi d'Ultime razzia (1956), produit grâce au richissime James Harris, avec qui il crée Harris-Kubrick Productions. Comme le note Jean-Loup Passek, ces premiers films font voir Kubrick comme un potentiel héritier de Fuller, Lang, Siodmark, avec des scripts serrés, une lumière presque expressionniste et une violence baroque. Une marque que l'on retrouvera dans ses films suivants où le travaille minutieux sur la lumière est toujours plus accentué, jamais laissé au hasard, pour travailler sur le mode expressionniste la déformation du monde que l'homme projette lui-même dans l'espace, sorte de cartographie mentale, cellulaire, de ses peurs.

Les yeux grands fermés

Chez Kubrick, l'homme porte sa propre croix, il est victime de ses constructions, qu'elles soient intimes, psychologiques, sociales, religieuses, technologiques. Son cinéma filme la mort de Dieu et l'échec de l'homme qui a voulu le remplacer. L'homme qui devient son propre ennemi, là où il croyait atteindre des possibles, se dépasser, conquérir, maîtriser, obtenir du pouvoir, vivre sa passion. Kubrick observe l'homme et le monde dans la beauté de ses échecs, ses illusions, de la mythologie de la guerre dans Les sentiers de la gloire (1957), à la cruelle ironie de la mort de Spartacus (1960) ou la parodie de guerre froide dans Docteur Folamour (1964), en passant par Humbert Humbert dans Lolita (1962), obsédé par un concept qu'il s'invente. Ce sera aussi l'ultime conquête de 2001: l'odyssée de l'espace (1968), où l'homme doit détruire le summum de sa création, sa propre intelligence, le super ordinateur intelligent HAL, pour finir par revenir à lui-même, face à une hyper objectivité de son être dans le temps et l'espace ; ou encore l'échec du programme lobotomisant d'Orange Mécanique (1971) qui par une double contorsion ironique renverra Alex à la case départ, sans rien régler. Acteur de sa propre déchéance, de sa chute, l'opportuniste de Barry Lyndon (1975) goûte avec amertume les fruits de son imposture, de tout ce qu'il a jalonné d'un coup de bluff et qu'il croyait maintenir le temps d'une vie mais qui fini par lui revenir comme un boomerang cinglant. Chez Kubrick l'homme est seul responsable de ses crimes et il n'y a pas de rédemption possible. Dans Shining (1980), l'angoisse de la création pousse l'écrivain raté à la folie, au meurtre. A travers cet espace anxiogène qui se reconfigure progressivement à l'image de son déséquilibre mental, se rejoue un théâtre miniature des mythologies autour du noyau familial.

Et quand Kubrick s'attaque au Vietnam en filmant la formation disciplinaire des jeunes recrues puis leur expérience sur le terrain dans Full Metal Jacket (1987), il filme comme un entomologiste les contradictions de la guerre, son piège originel, la paix par la violence et l'impossibilité de rester fidèle à ses utopies (la paix comme idéologie, principe existentiel ou politique). Kubrick, cinéaste lucide, démonte et démontre l'hypocrisie cruelle de l'existence et des choses. Il met l'homme face à lui-même, ses mensonges, ses fantasmes, ses réalités. Eyes Wide Shut (1999) ne racontait que ça, l'aveuglement du couple, bourgeois peut-être mais pas seulement, qui n'ose affronter et assumer ses désirs. Si l'auteur s'était à nouveau inspiré d'un livre (Arthur Schnitzler, contemporain de Freud lorsqu'il découvre la psychanalyse), après Nabokov pour Lolita, Arthur C. Clark pour 2001, Anthony Burgess pour Orange Mécanique, William Makepeace Thackeray pour Barry Lyndon et Gustav Hasford pour Full Metal Jacket, il avait su à nouveau en tirer une œuvre singulière, à lui, dépouillant la matière littéraire afin de trouver des correspondances en images. Dans la creuset de cette quête qui le rapproche du cinéma muet, où comme on a l'a écrit, de l'hypnose. Et il n'y a pas de hasard, Eyes Wide Shut, comme son titre le souligne, est un voyage sous hypnose, comme l'avait pensé Schnitzler, qui avait intitulé son livre, La nouvelle rêvée. En laissant à Spielberg la réalisation d'A.I (2002), il a permis au réalisateur d'E.T de tourner son film le plus personnel mais aussi le plus sombre et désespéré.

Saadane

(Robert Downey Jr, qui joue le rôle de Steve Lopez, et Jamie Foxx qui interprète Nathaniel Ayers)

  Ce magnifique film nous parle de Nathaniel Ayers, dont l'histoire peu commune mais vraie a été portée au cinéma et interprétée avec maestria par Jamie Foxx (Nathaniel Ayers) et Robert Downey Jr (Steve Lopez).

Nathaniel Ayers, né en 1951,  est un vagabond de Los Angeles qui ne vit que pour et par la musique. Il est tout particulièrement amoureux de Ludwig Van Beethoven. Originaire de Cleveland, ses dons pour le violoncelle lui ont permis d'intégrer dans son enfance la prestigieuse Juilliard School, à New York, qui lui aurait ouvert les portes d'un avenir doré. Mais aujourd'hui, adulte, il vit dans la rue ; Nathaniel est schizophrène et la maladie l'a progressivement amené à vivre en marge de la société. Cependant la musique l'accompagne toujours ; à l'aide d'un violon qui n'a plus que deux cordes (pour les novices, un violon a quatres cordes : sol, ré, la mi), il continue à jouer de la musique, corps et âme, et à transmettre une émotion unique aux passants qui sauront l'écouter.

Parmi eux, Steve Lopez, journaliste en mal d'inspiration, qui voit d'abord en Nathaniel un bon sujet de chronique. Mais peu à peu des liens d'amitiés se tissent entre ces deux solitaires. Et comme tout ami qui se respecte, Steve veut le bien de Nathaniel ; ce qui selon lui consiste à le sortir de la rue, le faire soigner et le ramener à une pratique plus conventionnelle de la musique. Mais Nathaniel ne demande rien ; il est heureux, libre, avec la musique, avec Beethoven... Comment le faire comprendre à son nouvel ami ?

Ce film est bouleversant à plusieurs titres : cette histoire d'amitié entre deux hommes aussi dissemblables, cette belle leçon d'humilité offerte par Nathaniel, la grâce musicale de Beethoven. 

Il pose également des questions: Est-on plus heureux sain d'esprit mais dès lors conscient de la folie matérialiste et meurtière qui nous entoure ?

A-t-on encore le droit à la différence dans une société qui tend au conformisme et l'uniformité ?

Nathaniel Ayers a aujourd'hui 59 ans et vit toujours à la rue à Los Angeles...

C'est une merveilleuse et émouvante expérience cinématographique que je vous conseille vivement.

(Le vrai Nathaniel Ayers, à la projection du film Le Soliste)

Saadane

Réalisateur

(Autriche)

Né(e) le 05 Décembre 1860

Décédé(e) le 02 Août 1976

Né le 5 décembre 1890 à Vienne, Fritz Lang est le fils d’un architecte, Anton Lang, et de Paula Lang. Il grandit pendant une période viennoise d’une richesse intellectuelle et artistique exceptionnelle, qui constituera pour toujours son patrimoine culturel à travers Egon Schiele, Gustav Klimt, Freud ou même Nietzsche.

Il commence par étudier l’architecture à Vienne au Technische Hochschule et, à 20 ans, il décide de voyager et part an Asie, en Chine, en Russie, en Afrique du Nord, etc. Pour gagner sa vie, il vend des dessins, peint des cartes postales et, en 1913, il s’installe à Paris où il suit les cours d’une école d’art. La première guerre mondiale éclate et il retourne à Vienne où il est mobilisé. Très vite blessé, il est de retour à Vienne et y reste hospitalisé plusieurs mois. Il commence à écrire des scénarios.

Après la guerre, Lang part pour Berlin. Il travaille avec le producteur Erich Pommer et rencontre sa première femme Thea von Harbou, qui participera à l’écriture de tous ses films allemands jusqu’à son départ de Berlin en 1933. Son premier film marquant, Le Métis (1919), malheureusement perdu, met déjà en scène la femme fatale et l’amour destructeur.

Puis il réalise un film d’action en deux parties qui initie le thème des sociétés secrètes et des complots. Ces sujets seront repris avec éclat dans les films consacrés au Docteur Mabuse.

Entre 1920 et 1933, les films se succèdent constituant une filmographie allemande éblouissante : Les Trois Lumières, Docteur Mabuse, Le Joueur, les Die Nibelungen, Metropolis, M Le Maudit et Le Testament Du Docteur Mabuse. Ce dernier film lui apporte bien des ennuis car il établit un parallèle évident entre les pratiques du Docteur Mabuse et son réseau criminel avec les agissements nazis. La censure intervient , retire le film de l’affiche et Goebbels convoque Lang. L’histoire est bien connue : Goebbels propose à Lang de prendre la direction du nouveau studio nazi. Lang décide de quitter l’Allemagne immédiatement pour Paris, en laissant tous ses biens derrière lui. Sa femme divorce et rejoint le parti nazi.

Puis, il s'exile aux Etats-Unis, avec un contrat avec le producteur D. Selznick. Il prend la nationalité américaine et débute une nouvelle carrière cinématographique avec Furie, en 1936. Sa filmographie américaine est très variée, allant du western (L'Ange Des Maudits), au film de propagande anti-nazie, (Les Bourreaux Meurent Aussi), au film noir, comme La Femme Au Portrait, Le Secret Derriere La Porte et Rue Rouge en passant par le film policier, comme La Cinquième Victime et le film d’aventures en costumes, Les Contrebandiers De Moonfleet.

En 1959, il retourne en Allemagne, et réalise ses trois derniers films: Der Tiger von Eschnapur , Das indische Grabmal, et le dernier docteur Mabuse (1960), Die Tausend Augen des Dr Mabuse. Puis, il retourne aux Etats-Unis.

Il joue son propre rôle dans Le Mépris de Jean-Luc Godard, en 1963. Unanimement reconnu, il reçoit de nombreuses distinctions, notamment en France et aux Etats-Unis. Il apparaît encore dans quelques documentaires, comme 75 years of Cinema Museum, de Roberto Guerra et Elia Herschon (1972) ou The Exiles (1989) de Richard Kaplan (1989) et il accepte toujours d’aller parler aux étudiants dans les universités de ses films et du cinéma. Il décède à Beverly Hills le 2 août 1976.

Saadane

CAMPING 2

Synopsis

Arcachon. Mois d’août. Jean-Pierre Savelli, employé aux Mutuelles d’Assurances de Clermont-Ferrand, apprend que Valérie, sa fiancée, veut faire un break. Pour se ressourcer et retrouver calme et sérénité, il décide de changer de destination de vacances... Il atterrit au Camping des Flots Bleus et tombe sur Patrick Chirac et sa bande de campeurs irréductibles. Les vacances peuvent commencer ! Apéro !

Comédie de 1H39 réalisée par Fabien Ontiente. Avec Franck Dubosc, Richard Anconina, Mathilde Seigner.

KICK ASS

Synopsis

Dave Lizewski est un adolescent gavé de comics qui ne vit que pour ce monde de super-héros et d'incroyables aventures. Décidé à vivre son obsession jusque dans la réalité, il se choisit un nom – Kick-Ass – se fabrique lui-même un costume, et se lance dans une bataille effrénée contre le crime. Dans son délire, il n'a qu'un seul problème : Kick-Ass n'a pas le moindre superpouvoir... Le voilà pourchassé par toutes les brutes de la ville. Mais Kick-Ass s'associe bientôt à d'autres délirants copycats décidés eux aussi à faire régner la justice. Parmi eux, une enfant de 11 ans, Hit Girl et son père Big Daddy, mais aussi Red Mist. Le parrain de la mafia locale, Frank D'Amico, va leur donner l'occasion de montrer ce dont ils sont capables...

Réalisé par Matthew Vaughn, ce film d'action dure 1H57. Avec Aaron Johnson, Nicolas Cage, Chloe Moretz

MAMMUTH

Synopsis

Serge Pilardosse vient d'avoir 60 ans. Il travaille depuis l'âge de 16 ans, jamais au chômage, jamais malade. Mais l'heure de la retraite a sonné, et c'est la désillusion : il lui manque des points, certains employeurs ayant oublié de le déclarer ! Poussé par Catherine, sa femme, il enfourche sa vieille moto des années 70, une " Mammut " qui lui vaut son surnom, et part à la recherche de ses bulletins de salaires. Durant son périple, il retrouve son passé et sa quête de documents administratifs devient bientôt accessoire...

Avec Gérard Depardieu, Yolande Moreau, Anne Mouglalis. Une comédie de Gustave Kervern et Benoît Delépine. Durée 1h32